History[edit]. Tchaikovsky revised the concerto three times, the last in 1888, which is the version usually played. One of the most prominent differences between the original and final versions is that in the opening section, the chords played by the pianist, over which the orchestra plays the main theme. В музыке Концерта № 1 для фортепиано с оркестром П. И. Чайковский использует несколько цитат. Чайковскому удалось удивительным образом передать в фортепианной музыке пение хора. Февраль Масленица В начале первой части Чайковский передает характерное звучание гармоники: два удара аккордов в каждом из первых двух тактов создают впечатление растягиваемых и сжимаемых мехов инструмента.
Анализ музыкального произведения П.И Чайковский Январь.
Связь музыки и изобразительного искусства. Вроде бы ничего общего с музыкой, у которой своя художественная область. Встретиться они, конечно, могут, например, в опере, балете, либо в другом музыкальном спектакле, где действие требует и музыкального выражения, и декоративного оформления. Глинки, «Орфей и Эвридика» К. Названия музыкальных произведений отражают вдохновившие их образы: «Лес» и «Море» А. Глазунова, «Облака» и «Туманы» К.
Дебюсси, «Богатырские ворота в Киеве», «Старый замок» М. Мусоргского… Выходит, не только литература, но и изобразительное искусство способно рождать музыкальные звучания? Музыка и пейзаж. Он имел в виду, что каждое искусство выражает своё: живопись — цвет, поэзия — слово, музыка — звук. Поэтический пейзаж.
Разделив звук и цвет, проведя границы между искусствами, боги не затронули мир природы, который живёт и дышит в единстве своих проявлений. Каждое искусство, стремясь создать свой собственный полноценный мир, способно сказать больше того, что ему традиционно приписывают. Пушкина «Евгений Онегин». Учащиеся самостоятельно читают отрывок. Вот север, тучи нагоняя, Дохнул, завыл — и вот сама Идёт волшебница зима.
Пришла, рассыпалась; клоками Повисла на суках дубов; Легла волнистыми коврами Среди полей, вокруг холмов; Брега с недвижною рекою Сравняла пухлой пеленою; Блеснул мороз. И рады мы Проказам матушки зимы. Очень поэтично, живописно, образно. Так описывал А. Пушкин яркие картины приходы зимы.
Приведённый отрывок — настоящий поэтический пейзаж. В нём каждая строка наделена живописным образом. Зима предстаёт как величественное снежное царство. На ветвях, на полях и холмах — всюду бескрайний снежный покров. Даже на этом маленьком примере видно, что у литературы достаточно изобразительных средств — её красочные эпитеты и метафоры рисуют яркий зрительный образ.
Пейзаж музыкальный. Какие цветы, какие снежинки порой можно «увидеть» в музыке! Вот один из «зимних» музыкальных пейзажей — Вариация Феи зимы из балета С. Прокофьева «Золушка». Слушание: Вариация Феи зимы из балета С.
В этой музыке мы почти видим, как волшебница зима плетёт узорное снежное кружево. Музыка очаровывает нас плавным движением — лёгкая метель исполняет свой сказочный танец. Музыка и пространство. Существует изречение И. Гёте: «Архитектура — это онемевшая музыка».
Столь яркое, образное сравнение, если только это не дань поэтическому красноречию, рождает целый ряд вопросов. Можно ли уподобить музыкальное произведение архитектурному сооружению? Что такое «музыкальное пространство»? Как оно выражает себя в звуках? Вспомните, где его можно услышать.
Наверное, прежде всего вы назовёте лес или горы, где есть большое пространство, далеко разносящее звуки природы. В чём заключается особое звучание эха? Оно бывает близким и далёким, звонким и глухим. В нём мы слышим собственный голос, далёкий и близкий — в зависимости от протяжённости пространства. Так же и в музыке: если композитор хочет внести в звучание ощущение пространства, он пользуется эффектом эха, передавая его через громкость звучания — динамику.
Как и в природе, музыкальное эхо — это отдалённое повторение голоса. Оно звучит тише, приглушённее: ведь это всего лишь отзвук живого голоса. И динамика громко — тихо играет здесь первостепенную роль. Вот как звучит эхо в хоре Орландо Лассо. Слушание: О.
Сам отголосок, то есть эхо, звучит тише. Совершенно верно, то есть очертания пространства зависят от приближённости или удаленности эха, то есть от степени громкости его звучания. Таким образом, одним из элементов пространства в музыке является громкостная динамика. Это привело к открытию области выразительных средств, связанных с распределением в произведении уровней громкости. Динамика обозначает границы пространства, создаёт впечатление близости и отдалённости звучания.
Изображение пространства в музыке значительно усиливает её выразительные возможности. Общего много. И музыка, и живопись воссоздают определённые образы. Многие понятия в этих двух видах искусства имеют общие названия: динамика, оттенки, нюансы... Назовите музыкальные произведения, навеянные природой или другими изображениями.
Какие картины можно представить, слушая музыку «Вариации Феи зимы» из балета С. Прокофьева «Золушка»? Рассматривая произведения изобразительного искусства, подумайте, можно ли услышать живопись, а вслушиваясь в музыкальные сочинения, можно ли увидеть музыку. Как изображено эхо в хоре О. Подумайте, какие звуки природы, кроме эха, могут вызвать пространственный эффект.
Какими музыкальными средствами он может быть выражен? Музыкальные сюжеты в литературе. Материалы к уроку: музыкальный материал, портреты композиторов, иллюстрации картин. Ход урока: Организационный момент: Звучит песня Булата Окуджавы «Надежды маленький оркестрик» автор музыки и слов — Б. Когда внезапно возникает Ещё неясный голос труб, Слова как ястребы ночные Срываются с горячих губ, Мелодия как дождь случайный Гремит и бродит меж людьми, Надежды маленький оркестрик Под управлением любви.
Надежды маленький оркестрик Под управлением любви. В года разлук, в года смятений, Когда свинцовые дожди Лупили так по нашим спинам, Что снисхождения не жди, И командиры все охрипли, Тогда командовал людьми Надежды маленький оркестрик Под управлением любви, Надежды маленький оркестрик Под управлением любви. Кларнет пробит, труба помята, Фагот как старый посох стёрт, На барабане швы разлезлись, Но кларнетист красив, как черт, Флейтист как юный князь изящен, И вечно в сговоре с людьми, Надежды маленький оркестрик Под управлением любви, Надежды маленький оркестрик Под управлением любви. Что общего в стихотворении Константина Никольского и песне Булата Окуджавы? Запись на доске: «О несчастных и счастливых, о добре и зле, О лютой ненависти и святой любви, Что творилось, что творится на твоей земле — Всё это в музыке, ты только улови».
Она несла надежду и спасение, оплакивала потери и возвеличивала любовь. В музыке вся наша жизнь. Не случайно эпиграфом к нашему уроку мы взяли слова Константина Никольского из песни «Музыкант». Сегодня мы продолжаем разговор о музыкальных сюжетах в литературе. Работа по теме урока: Легенды о музыке.
Люди всегда знали божественную силу музыки. История навсегда унесла живую музыку Орфея. Она осталась только в древнем предании, бессмертном памятнике литературы, получившем название «Миф об Орфее». Миф об Орфее «... Орфей был животворящим гением священной Греции, пробуждающим её божественную душу.
Его лира о семи струнах обнимала всю вселенную. Каждая из струн соответствовала также одному из состояний человеческой души и содержала закон одной науки и одного вида искусства. Мы потеряли ключ к её полной гармонии, но её различные тона никогда не переставали звучать для человечества... Однажды ранней весной, когда на деревьях появилась первая зелень, сидел великий певец на невысоком холме.
Мелодия нисходящая, создает колорит полуночного тумана.
Это неясное сознание лирического героя, в котором все находится в хаосе. Тема вступления играет формообразующую роль, также она несет в себе основную мысль произведения. В дальнейшем она появится перед разработкой и кодой. Примечательно, что музыкальный эпизод противопоставляется следующему за ним интонационному материалу. В Главной партии вступает голос героя.
Это минорная песенная тема в жалобном тембре флейты с гобоем представляет собой яркий показатель композиторской индивидуальности Шуберта. Лирика песни позволяет выразить весь эмоциональный накал. Характерный аккомпанемент добавляет трепета и взволнованности. Маятник начинает раскачиваться. Настроение граничит с элегией и ноктюрном.
В Побочной партии прослеживается более активный образ. Синкопированная ритмика, простой гармонический склад — все это так же является песенными атрибутами, но характер сменился на более положительный и жизнерадостный. Тональность соль мажор, находится в терцовом соотношении, отлично передает настроение. Далее композитор будет активно играть с ладом партии, то омрачая ее, то делая вновь энергичной. Постепенно усиливается динамика, нарастает звучность.
Пунктирный ритм олицетворяет неровное биение сердца. Музыка теряет игривость и начинает подчиняться атмосфере трагедии и драмы. Внезапно вторгается новый эпизод в тональности до минор.
Могу сделать только одно замечание. Я сожалею, что мне не пришло в голову просить тебя Детский альбом напечатать другим форматом. Ведь Володя Давыдов должен будет играть стоя, чтоб смотреть на ноты! Картиночки значительно уступают по художественному достоинству Сикстинской мадонне Рафаэля, - но ничего, сойдет, - детям будет занятно". Технически «Альбом» создавался с учетом возможностей юных исполнителей. Практически все пьесы написаны в простой двух- или трехчастной форме.
Автор исследования «Фортепианное наследие Чайковского» А. Николаев отмечает: « Эти пьески очень различны и по степени трудности, так как наряду с весьма легкими доступными даже в пределах конца первого — начала второго года обучения , в сборнике есть пьесы, требующие от ученика довольно значительной подвинутости. Но все же в целом Чайковскому удалось найти сравнительно легкие приемы изложения. Даже самые сложные пьесы, как например, «Игра в лошадки», «Баба-Яга», «Песнь жаворонка», «Сладкая греза», дети могут играть на 3—4 году обучения». Николаев, - что Чайковский, никогда не преподававший детям, мало соприкасавшийся с вопросом обучения игре на фортепиано, проявил превосходное знание фортепианного изложения, доступного детским рукам.
При жизни Чайковского она исполнялась во многих городах Российской империи и за ее пределами.
Композитор перестал относиться к ней с прежней строгостью и включил увертюру в программы своих дирижерских выступлений. Отношение публики не всегда совпадало с мнением музыкантов. Характерна оценка молодого А. Глазунова в письме к Н. Львова, действительно, сочинен позже Отечественной войны 1812 года [Римский-Корсаков 1965: 64]. По некоторым данным, именно Глазунову принадлежала мысль о возможной замене гимна темой хора «Славься» из оперы «Жизнь за царя» М.
Глинки [Глазунов 1958: 35 примеч. В советское время тема гимна служила препятствием для исполнения увертюры; в довоенной литературе о творчестве Чайковского сочинение также почти не упоминается. Замена темы «Боже, Царя храни» на тему «Славься», вернувшая сочинение в концертные программы и музыковедческий дискурс, вошла в практику не позднее 1940-х годов см. Та же замена в версии В. Шебалина сделана в основном тексте партитуры в ЧПСС, вышедшей в 1961 году, тогда как авторский текст соответствующего места сообщен в приложении. В настоящее время увертюра повсеместно звучит в оригинальной версии с темой гимна «Боже, Царя храни».
Другое явление исполнительской практики — использование хора в первой теме вступления и коде , что зафиксировано в ряде грамзаписей сочинения см. Нередко увертюра исполняется на открытом воздухе в связи с особыми торжествами, в подобных обстоятельствах возможным оказывается сопровождение коды настоящими пушечными залпами или фейерверком — такова традиция исполнения сочинения в США по случаю Дня Независимости 4 июля. Источники Авторские рукописи и авторизованные рукописи: автограф партитуры, первый лист [октябрь 1880] ГМЗЧ. Прижизненные издания: партитура — М. Юргенсон, [1882], [1892] P. Ouvertures pour orchestre.
Rather, [1888]; оркестровые партии — М. Юргенсон, [1882]; переложение для фортепиано в 2 руки — М. Rather, [1892? Rather, [1888]; переложение для 2-х фортепиано Э. Лангера — М. Юргенсон, [1893].
Николаева 1961. Чайковский и Н. Рубинштейн 1866—1881 гг. Полное собрание сочинений.
Музыка. 2 класс
Продолжить формирование нравственно-патриотического воспитания через классическую музыку и стихотворения о войне. Воспитывать потребность общения с музыкой. Оборудование: Портреты Чайковского разных времен, изображение подснежника, фломастеры, калька, тексты «Времена года» и биография композитора учебник ребус Музыкальный материал: 1. Тема урока - «П. Чайковский, фортепианный цикл «Времена года»» Все ли слова понятны? Слово цикл имеет отношение к различным видам деятельности человека, не обязательно музыке. Каждое наше действие имеет последствие — продолжение, будь то наше рождение — назовите что происходит потом?
Композитор настолько доверял братьям Анатолию и Модесту, что честно писал им обо всех творческих проблемах. Но ни в одном из писем к ним Чайковский не пишет о затруднениях с основными музыкальными темами Концерта или их разработкой. Декабрь стал временем самой интенсивной работы, и вот 21-го числа Концерт был закончен.
Оставалось только сесть за оркестровую партитуру. Но перед этим Чайковский решил показать новое произведение Николаю Григорьевичу Рубинштейну. Оба — друзья Чайковского. Рубинштейну и Губерту он очень доверяет, поэтому отправляется на встречу с ними с воодушевлением. Суд громовержца Сыграв Концерт до конца, Чайковский замер в ожидании реакции. Увы, он услышал то, что был совершенно не готов услышать от близких людей.
If you knew how stupid and intolerable is the situation of a man who cooks and sets before a friend a meal, which he proceeds to eat in silence! Rubinstein was amassing his storm, and Hubert was waiting to see what would happen, and that there would be a reason for joining one side or the other.
Above all I did not want sentence on the artistic aspect. My need was for remarks about the virtuoso piano technique. He seemed to be saying: "My friend, how can I speak of detail when the whole thing is antipathetic? Still silence. I stood up and asked, "Well? It turned out that my concerto was worthless and unplayable; passages were so fragmented, so clumsy, so badly written that they were beyond rescue; the work itself was bad, vulgar; in places I had stolen from other composers; only two or three pages were worth preserving; the rest must be thrown away or completely rewritten. How can anyone... In a word, a disinterested person in the room might have thought I was a maniac, a talented, senseless hack who had come to submit his rubbish to an eminent musician.
Having noted my obstinate silence, Hubert was astonished and shocked that such a ticking off was being given to a man who had already written a great deal and given a course in free composition at the Conservatory, that such a contemptuous judgment without appeal was pronounced over him, such a judgment as you would not pronounce over a pupil with the slightest talent who had neglected some of his tasks—then he began to explain N.
И молодые пианисты — особенно студенты консерваторий — должны это помнить! В частности, мне кажется, не следует убыстрять темпы концерта. Когда время от времени я пересматривал исполнительский план сочинения и внутренне его прослушивал, я приходил к выводу, что темпы должны быть сдержаннее, что искать движения надо в тесной связи с музыкальным замыслом — исполнение от этого всегда выигрывало". Оборин отчётливо осознавал необычность композиторских решений Чайковского, для своего времени подлинно новаторских, но и он тоже не подвергает сомнению необходимость исполнения зилотиевской редакции и имеет в виду именно ЕЁ, а не какой-либо другой исполнительский вариант.
А вот мысли о 1-м концерте музыканта следующего пианистического поколения — А. Наседкина: "Мне приходилось играть его во многих странах мира, и везде он вызывал самый горячий отклик у слушателей. К сожалению, в последнее время, как мне кажется, утеряна и стёрлась та благотворная и благородная исполнительская традиция, которую заложили Н. Преобладание виртуозно-бравурной трактовки этого сочинения с добавлением внешней театральности, совершенно не соответствующей характеру этой музыки, стало весьма заметным в исполнении концерта молодыми пианистами. Часто вспоминаю слова Г.
Нейгауза, который говорил, что этот концерт нередко исполняют как «плохое произведение Листа». В чем же причины такого явления? Их, вероятно, много, но одна из них заключается, как мне кажется, в следующем: известно, что этот концерт является обязательным на конкурсе им. Чайковского, и молодые пианисты, желая блеснуть виртуозностью и техникой и склонить на свою сторону сиюминутное мнение членов жюри, выделяют на первый план бравурно-виртуозные моменты произведения, оставляя незамеченными волшебные красоты этого замечательного, истинно русского творения Чайковского. В беседах с коллегами я чувствовал их озабоченность подобным явлением, но всё же сдвигов в лучшую сторону — если говорить об учащейся молодежи — пока не видно.
Хочется тем не менее надеяться, что наша молодая талантливая поросль вернёт концерту его первозданную свежесть и красоту и продолжит лучшие отечественные традиции в исполнении этого гениального сочинения. Как известно, существует несколько авторских редакций этого концерта, в основном касающихся фортепианной партии. Думается, в настоящее время за основу нужно брать окончательную из них, широко известную у нас и за рубежом, которой придерживаются почти все пианисты". Это заблуждение, полагаю, получило распространение с лёгкой руки Зилоти, который внушал всей Вселенной мысль о том, что он, дескать, в своей редакции концерта "выполнил авторскую волю". Судя по всему, он преуспел в своих рассказах — подлог удался: весь ХХ-й век концерт исполнялся в его редакции, причём все дружно повторяли сказку о том, что это "авторская" редакция.
В плену этого заблуждения находится также и Наседкин — и если бы только он один! В это верили чуть ли не все поголовно, а если и не верили, то хотели верить, потому что это было очень "удобно": все так играют, зачем же нарушать единомыслие? В каком-то смысле это "сговор виртуозов"! Разумеется, после такой "закваски" концерт до самого конца исполняется в духе трескучей мелодрамы или "оптимистической трагедии", как остроумно выразился один из критиков. А вот что говорил Я.
Флиер о 1-м концерте Чайковского и, в частности, об исполнении вступления концерта: "Я не стану останавливаться на его концепции, стилевых особенностях, так как общеизвестны высказывания крупных мастеров, дошедшие до нас комментарии самого Чайковского, а также Танеева, Николая Рубинштейна и других. Поэтому не буду повторять, что концерт надо играть эпически, героически, что не следует слишком увлекаться виртуозным началом. Остановлюсь на некоторых принципиально важных моментах. Почти во всех симфонических произведениях Чайковского вводится масштабный и значительный по образной сути пролог к сонатному аллегро. В этом отношении концерт стоит несколько особняком.
В отличие, например, от поздних симфоний композитор даёт пролог к концерту как бы отдельным порталом и в дальнейшей экспозиции к нему не возвращается. Подобный апофеозный пролог — единственный в своём роде в качестве параллели здесь, может быть, уместно вспомнить фа-диез-минорную сонату Шумана. Вступление надо играть торжественно, просто, величаво, но избегать чрезмерной мощности звучания. Один мой ученик с восторгом говорил о зарубежном пианисте, который так сыграл начало, словно стремился раздавить оркестр... Я советую здесь быть помудрее, проявить определенный исполнительский расчёт.
Тема идёт у оркестра, и солист должен помнить о том, что изложение его партии довольно скромно по фактуре и охватывает такие регистры, в которых лучше сыграть полнозвучно, красиво, мягко. Не следует играть от локтя, высоко размахивать руками, необходимо хорошее ощущение клавиатуры. Не стоит слишком увлекаться массивностью, гигантизмом звучания, имея в виду дальнейший материал, когда оркестр расширится до огромных масштабов и некоторым пианистам может просто не хватить силы". Первые аккорды фортепиано во вступлении, несмотря на FF, должны быть исполнены мягким, сочным, благородным звуком. Не надо забывать, что тема вступления имеет в оркестре нюанс mF и исполняется лишь скрипками и виолончелями кстати, дирижеры, привыкшие к чрезмерно «активному» поведению солистов, просят оркестр играть интенсивнее.
Arpeggiati в последних аккордах вступления остатки первой редакции весьма желательны, так как дают ясное ощущение завершённости темы в оркестре". Темпы должны быть медленнее, чем обычно играют. Каденция — драматичная. Хорошо играл вступление Николай Орлов. Он «звенел» пятым пальцем правой руки особенно в верхнем регистре ".
Это вызывает изумление, но они призывают..... Читая всё это подряд, хочется спросить: зачем же клясться Рубинштейном и Танеевым, если пианисты как раз идут вразрез с мнением этих мастеров, принимая к исполнению искажающую авторский замысел редакцию? Забавно читать, как они требуют "не слишком увлекаться массивностью", дабы "аккорды фортепиано во вступлении, несмотря на FF, исполнялись мягким, сочным, благородным звуком", чтобы "масштабность и блестящая техника не подавляли глубоко национальной песенной основы" и т. Но как же возможно реализовать все эти благие намерения, если редакция Зилоти, признанная этими пианистами, как раз и создана для того, чтобы придать вступлению и всему концерту в целом "массивности", "мастабности" и "блестящей техники"?? В этом плане смешно читать о "звенящем" 5-м пальце Орлова: все, кто даст себе труд проиграть любую из авторских редакций вступления, обнаружат, что при исполнении авторского текста не понадобится никакого специально выращенного "звенящего" мизинца, так как текст Чайковского то есть арпеджирование ф-п аккордов вступления САМ ПО СЕБЕ обеспечивает отчётливые "звенящие" верхи!
Про "подавление песенной основы" тоже смешно читать: как же её можно не "подавлять", исполняя зилотиевскую редакцию? Вообще в этих цитатах много "перлов", если оценивать их с точки зрения нашего сегодняшнего знания истинного положения дел — и заметьте, это всё высказано не каким-нибудь "человеком с улицы", а ведущими профессиональными педагогами нашего отечества! Вот, например, Флиер призывает "проявить исполнительский расчёт. Тема идёт у оркестра, и солист должен помнить о том, что изложение его партии довольно скромно по фактуре... С этими словами любопытно сравнить наблюдение Наседкина: "дирижеры, привыкшие к чрезмерно «активному» поведению солистов, просят оркестр играть интенсивнее"!
Ещё бы! Ведь само собой, что пианисты, следуя соблазнам зилотиевской редакции, начинают форсировать звучание! Об этом пишет и Флиер: "Один мой ученик с восторгом говорил о зарубежном пианисте, который так сыграл начало, словно стремился раздавить оркестр". Разумеется, пианисты будут стремиться "раздавить", ибо сие стремление заложено в самой редакции, непосредственно следует из родовЫх пороков её замысла! Полагаю, достаточно комментариев: каждый желающий может самостоятельно изучить слова знаменитых пианистов и сопоставить их с данностью текста различных редакций и с укоренившимися традициями исполнения этого концерта.
Выводы будут неутешительными! Вообще интересно наблюдать, что иной раз вытворяли виртуозы с фортепианной фактурой Чайковского, исходя всё из того же убеждения, что автор, дескать, "не пианист", а потому им, стало быть, виднее, что и как играть! В частности, любопытные воспоминания оставил Аксельрод об исполнении некоторых моментов 1-го концерта Г. Гинзбургом: "Поразительное знание природы инструмента позволило Гинзбургу невероятно дерзко решить проблему исполнения не очень удобного пассажа в I части Концерта b-moll Чайковского. Я, вероятно, не должен был бы открывать этот секрет, но не могу не поделиться своим восхищением изобретательностью и остроумием профессора: Левая рука в авторском варианте чувствует себя более скованно.
Последование шестнадцатых, предложенное Гинзбургом, более естественно.
П. И. Чайковский. Концерт для фортепиано с оркестром №1
Первый фортепианный концерт (II часть) М.П Мусоргский «Два еврея, богатый и бедный» из фортепианного цикла «Картины с выставки». Первым он был не только для Чайковского – это первый фортепианный концерт, созданный русским композитором и завоевавший признание за границей. Первым он был не только для Чайковского – это первый фортепианный концерт, созданный русским композитором и завоевавший признание за границей.
Анализ музыкального произведения П.И Чайковский Январь.
передний край, а роль оркестра от начала до. в быстром (allegro) темпе. Фортепьянный цикл Чайковского Времена года состоит из 12 небольших музыкальных зарисовок, соответствующих 12 месяцам. Первые композиции Чайковского — это симфонии. Первая симфония написана Чайковским в 1866 году, с ее создания принято отсчитывать московский период Чайковского.
Учительские университеты
Прислушайтесь к звукам мелодии апреля, как Чайковскому удалось изобразить музыкой рвущуюся к пробуждению природу? (слушание) Почему маленький цветок выбран Чайковским символом пробуждения? Симфония состоит из двух частей, при этом они не противопоставляются между собой, а дополняют друг друга. В КОНЦЕРТЕ № 1 П ЧАЙКОВСКОГО(2ЧАСТЬ)ПАРТИЮ СОЛИРУЮЩЕГО ГОЛОСА В НАЧАЛЕ ЭТОЙ ЧАСТИ ИСПОЛНЯЕТ ФЛЕЙТА, КОТОРАЯ ЗВУЧИТ НА ФОНЕ ЛЕГКОГО ОРКЕСТРОВОГО СОПРОВОЖДЕНИЯ. History[edit]. Tchaikovsky revised the concerto three times, the last in 1888, which is the version usually played. One of the most prominent differences between the original and final versions is that in the opening section, the chords played by the pianist, over which the orchestra plays the main theme.
Вчем заключается рельеф и фон звучания во 2 части первого фортепианного концерта чайковского?
Диалоги о Музыке 15 Apr 2020 at 8:55 pm Первая симфония «Зимние грезы». Симфоническая музыка, наряду с оперной, была главной областью творчества Чайковского. Композитор считал симфонию высшей формой музыкального искусства, способной наиболее полно отразить состояния человеческой души. Симфоническое творчество Чайковского разнообразно по жанрам: это симфонии, одночастные программные произведения, оркестровые сюиты, инструментальные концерты.
В письме к Надежде фон Мекк композитор так описывает эту печальную сцену: «Из уст Николая Григорьевича полился поток речей, сначала тихий, потом все более и более переходивший в тон Юпитера-громовержца. Оказалось, что концерт мой никуда не годится, что играть его невозможно… что как сочинение это плохо, пошло, что я то украл оттуда-то, а то оттуда-то, что есть только две-три страницы, которые можно оставить. Удивительно, что в этом письме, написанном спустя три года после «провала», все еще так живо ощущается обида.
Для Чайковского мнение Рубинштейна, поддержанное Губертом, стало жестоким ударом. Спустя время обида все же забудется. Николай Рубинштейн изменит свое отношение к Концерту и не раз обратится к нему и как пианист, и как дирижер. Посвящение Но пока мысль о посвящении сочинения Рубинштейну была отвергнута. На первой рукописной странице партитуры хорошо читается: «Посвящается Сергею Ивановичу Танееву». Вероятно, Чайковский таким образом хотел отблагодарить музыканта, который должен был стать первым исполнителем Концерта.
Альшванг, А. Асафьев, Б. Чайковский вошел в историю мирового симфонизма как создатель лирико-драматических, лирико-трагедийных симфоний. В своих инструментальных произведениях он возродил на новой основе бетховенские принципы обобщения значительных идей и образов в больших симфонических масштабах. Лирическая природа его симфонизма, психологизм, опора на жанровую конкретность образов, тяготение к обобщенно понимаемой программности, сближающие Чайковского с западноевропейскими композиторами-романтиками, выявлены средствами действенного и динамического симфонического метода.
В наследии Чайковского симфонической музыке принадлежит особенно значительное место более 30 произведений. Признавая важнейшей сферой своего творчества театральную музыку, композитор отдавал свои личные симпатии инструментальному жанру. Это предпочтение обосновывалось его убеждением, что симфоническое творчество дает возможность с большей свободой и без всяких ограничений отразить процесс развития художественной идеи. Симфонизм Чайковского многогранен; в нем отражены многие стороны жизни — лирика, народность, юмор, драматизм, трагизм. Он способен выразить самое важное в жизни эпохи, само движение времени во всех его контрастах.
В жанре симфонии решается основной вопрос философских исканий композитора — о смысле жизни, о цели человеческого существования. С особенной полнотой и силой Чайковский выявляет идею напряженной жизненной борьбы, часто драматической по своему характеру. И процесс ее осмысливается композитором как одно из проявлений назначения человека. В своём симфоническом творчестве Чайковский развивает следующие традиции: Бетховен. Для Чайковского симфонии Бетховена представляли пример идеальной гармонии формы и содержания, равновесия рационального и эмоционального.
Также унаследовал опору на жанрово конкретные образы, тяготение к обобщённой программности. В наибольшей степени повлияли две стороны романтизма: а усиление лирического начала и связанное с этим тяготение к тематизму песенно-романсового склада; б стремление к образной конкретности музыки, сближении её с литературой, драматургией и изобразительным искусством. Чайковского привлекали в Глинке самобытный русский характер. Глинкинское начало проявляется и в связи художественно-выразительных средств с языком народного творчества, в «переплавлении» народно-песенных интонаций, стилевых особенностей народных мелодий и подчинении их своему стилю.
Чайковский дал этой скромной песне «вторую жизнь», благодаря которой «Веснянка» звучит сейчас не только на своей родине — Украине, но и во всём мире, потому что нет в мире ни одного настоящего пианиста, который не играл бы Первый концерт Чайковского. Попевка о природе русская. Но по своему певучему характеру она может показаться и украинской, а может быть и белорусской. В этой попевке обратить внимание на сочетание в 1—2 и 3—4-м тактах мажора и минора. После того как ребята определят на слух это соче- тание, сказать им, что такое сочетание мажорного и минорного ладов называется переменным ладом происходит перемена одного лада на другой.
На последующих уроках надо время от времени возвращать- ся к этой теме и постепенно закреплять её. Прослушивание вариаций на тему «Перепёлочки» даст возмож- ность ребятам воспринять эту песню в ином характере превращение медленной музыки в быструю, грустной — в весёлую, так же как изме- нение «Веснянки» в фортепианном концерте Чайковского ; ещё раз осознать вариационную форму и познакомиться с белорусским народ- ным инструментом — цимбалами. Финал Первого концерта для фортепиано с оркестром — слуша- ние. Попевка о природе — разучивание. Вариации на тему «Перепёлочки» — слушание. Ха- чатуряна. Закавказская музыка, обычно стремительная, горячая ребята ещё раз послушают «Лезгинку» , бывает, однако, и очень певучей, распевной, лиричной. В этой музыке отражается и отли- чие разговорной речи жителей Закавказья от жителей России, Украины, Белоруссии: она, так же как и музыка, более горяча и стремительна. Ребята начнут разучивать забавную азербайджанскую песню Г.
Гусейнли «Цыплята» — с такими новыми, необычными интонация- ми в песнях они ещё не встречались. В заключение урока прозвучит музыка советского композитора А. Армянин по происхождению, он учился у русских музыкантов и впитал в себя как родную армянскую народную музы- ку, так и музыку великих русских композиторов. Но в его сочинени- ях мы всегда услышим те особые армянские интонации, которых нет в русской музыке. На уроке прозвучит певучая мелодия «Колыбельной» из балета Хачатуряна «Гаянэ» так зовут героиню балета — армянскую колхозницу. В «Колыбельной» сосредоточить внимание учащихся на звучании отдельных инструментов симфо- нического оркестра: гобоя, двух кларнетов, фагота с валторной и флейтой, а затем струнных с сурдинами. Во время звучания марша, построенного на мелодии из «Оды радости» А. Хачатуряна, обратить внимание на то, что характер этой мелодии совсем не похож на русские народные мелодии, в част- ности на то, что каждая четырёхтактная фраза отделяется от сле- дующей острыми, почти одинаковыми интонациями, благодаря которым особенно отчётливо звучит основная, певучая мелодия марша. Попевка о природе — исполнение.
Хачатуряна — слушание. Пятый урок Ребята услышат еще один отрывок из балета Хачатуряна «Гаянэ» — «Русскую пляску». Эта музыка — очень яркий пример того, как композитор-армянин сочинил русский танец, потому что он любит русскую музыку, глубоко изучил её, проникся её красотой и ощутил её особый характер. Шестой урок На этом уроке прозвучит одна из лучших народных лирических песен Латвии и музыка ещё одной прибалтийской республики— Литвы: часть из кантаты литовского композитора Э. Бальсиса «Не смейте трогать голубой глобус» в исполнении хора мальчиков «Дубок». В кантате поётся о том, что на нашей земле никогда не должно быть войны. Пролог и фрагмент 2-й части кантаты «Не смейте трогать голубой глобус» Э. Бальсиса — слушание. Седьмой урок Обобщение главной темы четверти: каждый народ имеет свою и народную, и композиторскую музыку, иногда очень несхожую с музыкой других республик, иногда, наоборот, настолько близкую, что нам бывает трудно определить, к какому именно народу она отно- сится.
Музыка всех народов представляет собой очень яркую и раз- нообразную картину. В то же время между музыкой разных народов нет непереходимых границ. Русская музыка понятна узбеку, узбек- ская — латышу, латышская — украинцу, украинская — грузину, гру- зинская — белорусу и т. Музыка сближает все народы, укрепляет их дружбу. Исполнение и слушание музыки по выбору учителя и по желанию ребят. Основную тему начать с разъяснения того, что музыка — это тоже язык, на котором люди разговаривают друг с другом, выражают свои мысли и чувства музыкальный язык. И этот музыкальный язык в отличие от языка разговорного понятен всем другим народам без перевода. После исполнения «Колыбельной» из оперы «Порги и Бесс» амери- канского композитора Гершвина и болгарской народной шуточной песни «Посадил полынь я» учащиеся сами, очевидно, определят характер обеих песен произносить их названия до этого момента, конечно, не надо. Говоря же «музыкальный язык», мы имеем в виду музыку в целом, национальный стиль, стиль композитора, характерные особенности данного сочинения.
Обратить внимание на различие обеих песен по их характеру. В «Колыбельной» главную роль играет сольный голос, хор его только сопровождает; в болгарской песне главную роль играет хор.
Вчем заключается рельеф и фон звучания во 2 части первого фортепианного концерта чайковского?
| П.И.Чайковский "Детский альбом" | В симфонии четыре части, двум из которых даны программные заголовки: «Грезы зимней дорогой» (I часть), «Угрюмый край, туманный край» (II часть). Трактовка сонатного allegro I части в дальнейшем станет типичной для симфонизма Чайковского. |
| Чайковский. Фортепианный концерт No. 2 | Четвертая часть номер 4 финала ского – это заключительная часть симфонии, которая отличается особой эмоциональной насыщенностью и драматичностью. Музыкальный материал этой части включает в себя мотивы из предыдущих частей симфонии. |
| Отличия редакций 1-го фортепианного концерта Чайковского | Первая часть – Allegro tranquillo – носит название «Грезы зимнею дорогой». |
| История создания «Детского альбома» П. И. Чайковского | Премьера первого фортепианного концерта Петра Чайковского. |
| Кириллова Светлана | Первый концерт для фортепиано с оркестром | Журнал «Искусство» № 8/2009 | Первый фортепианный концерт Чайковского превратился во всем мире в один из символов русского искусства. |
П.И. Чайковский. "Детский альбом"("Утренняя молитва", "В церкви" )
Среди трех фортепианных концертов композитора Первый отличается и мелодичной щедростью, и удивительным совершенством формы. В области сонатной формы (традиционно – первая часть 4-частного симфонического цикла, очень часто – и финала) Чайковский совершает ряд открытий, среди которых. Концерт состоит из трех частей: Vivace, Andante и Allegro vivace. Концерт состоит из трёх частей. ВТОРАЯ ЧАСТЬ — «Угрюмый край, туманный край» (ми-бемоль мажор) — написана под впечатлением поездки Чайковского на остров Валаам по Ладожскому озеру и воздействием строгой красоты северной русской природы. Первым выдающимся сборником музыки для детей в русской фортепианной литературе был «Детский альбом» (24 лёгкие пьесы) ского (1878 год). В педагогической практике «Детский альбом» стал классическим образцом творческого подхода к детскому репертуару.
Вчем заключается рельеф и фон звучания во 2 части первого фортепианного концерта чайковского?
Каждая симфония имеет единое интонационное ядро. Все три симфонии открываются медленным, речитативным, монологическим высказыванием рокового характера. Эти темы рока содержат элементы, которые обеспечивают единство и целостную связь всей симфонии. Это симфонизм психологически направленный, психологически осмысленный. Способы театрализации инструментальной музыки. Важнейшая черта симфонической музыки Чайковского — взаимодействие её с оперным жанром. Есть мизансцены и их смены, «явления» персонажей, монологи, диалоги, сцены-речитативы, раздумья, схватки трагедийных и лирических персонажей.
Большую роль в театрализации играет красочная инструментовка. Шестая симфония В Шестой симфонии Чайковский-симфонист выступил как художник, который подвел итог симфонизму XIX века, осмыслив в философском и эмоциональном плане главные тенденции классического и романтического искусства, как современнейший из композиторов своей эпохи. Признавая симфонию высшей формой музыкального искусства, Чайковский в этой области достиг совершенства. Содержание симфонии — трагическая эпопея жизни человека с её сложными коллизиями, суровой напряжённой борьбой и неизбежным концом — уходом во мрак и небытие. Симфония — третий акт в трагедии «Человек и судьба». Драматургия симфонии уникальна.
В симфонии есть комплекс элементов, воплощающих тему рока. На основе этого комплекса Чайковский осуществляет самую плотную связь между частями. Таким образом, ткань монолитна, все компоненты спаяны. В то же время части разрознены, автономны, замкнуты в себе, то есть близки к сюите. Об этом свидетельствует следующая компоновка. I часть — трагическая поэма романтического характера с противопоставлением героя и судьбы, смертоносной схваткой и примирением с неизбежностью.
Алексей Кондратьевич Саврасов. Хоровод в селе. Это не "пассаж быстрыми пальчиками". И здесь каждая нота живет и в ткани, и сама по себе.
Музыковеды предполагают о решении автора, что продолжение мысли будет излишним и приведет к потере идейного содержания, но этот факт не подтвержден. До сих пор никто не знает, почему он был вынужден отказаться от классической формы. Тем не менее, полностью опровергается факт, что композиция не завершена, так как после окончания работы Шуберт активно занимался другими проектами. Как отмечают его друзья, он не приступал к новым произведениям до тех пор, пока не завершит старое. Более того, он отдал партитуру Ансельму Хюттенбреннеру, который сам являлся достаточно известным музыкантом, имеющим специализацию в симфоническом жанре. Но он, испугавшись, что друг будет опозорен, оставил партитуру без внимания. Вскоре и Франц забыл о собственном труде. Содержание «Неоконченной симфонии» Шуберта Через год симфония была напечатана и стала исполняться по всему миру. Так к Францу Шуберту пришла слава гения. Композитор поднимает вечные вопросы о судьбе человека. В двухчастном цикле, словно отчаянно задается вопрос: «В чем разница между вымыслом и фантазией, где найти границы реальности? Единственное, что необходимо отметить, это различие в настроении лирики: I. Лирические переживания. Созерцание, просветленная мечтательность. На протяжении всей I части герой находится в поиске идеала. Он мечется, его душу терзают смутные сомнения, он теряет веру на обретение счастья. Далее возникает понимание, что счастье находится внутри, его не нужно искать по свету. Надо просто жить и наслаждаться каждым подаренным днем. Жизнь прекрасна в созерцании.
Москва А брату Модесту Чайковский признался: «Я очень одинок здесь. Представь, что я теперь часто и подолгу останавливаюсь на мысли о монастыре или чем-то подобном». Он вычеркнул имя Рубинштейна и посвятил концерт пианисту Гансу фон Бюлову — популяризатору его произведений в Германии. Вскоре фон Бюлов отправился на гастроли за океан. И там произошло чудо — американцы пришли в восторг. Потрясающий успех концерта, исполненного Гансом фон Бюловом в Бостоне 13 октября 1875 года, открыл жителям США русскую музыку. После этого россияне сдались. Николай Рубинштейн встал за дирижерский пульт. На волне успеха концерта в 1891 г. Чайковский сможет приехать на гастроли в США. Он станет первым русским композитором, которого увидит и полюбит Америка. А в 1958 г.
Симфонии Чайковского
Позже благодаря работе с психотерапевтом Николаем Далем Рахманинов смог вернуться к работе. Он написал Второй концерт для фортепиано с оркестром и посвятил его своему врачу. Второй концерт знаменует собой новый творческий период. Первая часть Moderato начинается с классического для Рахманинова колоколообразного фортепиано и продолжается нарастающей динамикой. Вторая Adagio sostenuto считается жемчужиной русской лирики. Из-за сочетания разных размеров у солиста и оркестра музыка кажется волшебной, почти нереальной.
Третья часть концерта Allegro scherzando начинается с маршевого ритма, переходит к лирическим переливам, а завершается величественно и торжественно. Второй концерт Рахманинова входил в репертуар многих ведущих пианистов мира. А еще его неоднократно использовали в фильмах, сериалах и аниме, например в «Титанике», «Весне на Заречной улице», «Зуде седьмого года». Композитор работал над ним в период разъездов: в 1906—1909 годах он жил в Дрездене, лето 1909 года провел в деревне Ивановка, а оттуда готовился уехать в турне по городам Америки. Тур начинался в ноябре, и Рахманинов не успел отрепетировать концерт в России.
Он взял с собой на корабль, следовавший в США, картонную клавиатуру и практиковался на ней. Как и предыдущие, этот концерт состоит из трех частей. Первая Allegro ma non tanto начинается с простой мелодии. По задумке Рахманинова, он должна имитировать голос человека — там даже предусмотрены паузы для вдоха. Затем начинается слегка тревожная главная тема.
Также на этой странице вы сможете ознакомиться с вариантами ответов пользователей. Последние ответы Ниджы 26 июн. Скоморохъ ; церк. Подготовьте небольшое сообщение о скоромохах? Winx13434 26 июн. Минорная хроматическая гаммапри нисходящем движении записывается как в одноименном мажоре F - dur с си бемолем при ключе. Построить хроматическую гамму фа минор в верх и в низ? Софффка111777888 23 июн.
Например, Камаринская - народная плясовая песня, тема которой встречается в фантазии "Камаринская" М. Глинки и в пьесе с таким же названием из "Де.. Marinavirt23 23 июн. А то я же не знаю эту мелодию...
Часть для учеников представляет трудность исполнение в конце пьесы в партии левой руки звука «соль», повторяемого в басу в каждом такте шесть раз всего 6 тактов при задержанном теноре. Необходимо чтобы все «соль» исполнялись одной краской и одинаковым способом прикосновения очень близкое к клавиатуре движение пятого пальца. Для выделения при этом тенорового голоса ученику можно рекомендовать использовать лёгкое погружение сверху в клавиатуру боковой поверхности первого пальца. Очень полезно поучить отдельно нижний голос, а также нижний вместе с верхним. Все эти приёмы необходимо сочетать с постоянным звуковым контролем. Её звучание, как и в «Утренней молитве», напоминает пение церковного хора.
Стройность четырёхголосия, характерные «наплывы» динамики создают необходимую для образа звуковую атмосферу. Исполнителю необходимо добиться максимального legato в чередовании повторяющихся аккордов. Играть их, не отрывая пальцы от клавиш, объединяя фразу с помощью лёгкого движения запястья. Плавная мелодия узкого диапазона напоминает сдержанную речь. По своей форме пьеса «В церкви» является периодом из 12 тактов. Но этот период делится не на предложения, а только на фразы, продолжающие одна другую. Такой период называется периодом единого строения. Следует обратить внимание не неквадратное строение периода: двухтактовавя фраза такты 1—2 , трёхтактовая т. Эти фразы носят неустойчивый характер с оттенком недоговорённости. И лишь последняя, уже четырёхтактовая, фраза вносит в звучание умиротворение и покой т.
Многократное повторение одного и того же ритмического рисунка, однообразие интонаций придают музыке настроение отрешённости. Повтор этого периода не развивает, а лишь утверждает высказанную мысль. Он имеет дополнение и коду. Кода по размерам почти равна повторенному периоду. Она наступает плавно в момент полного успокоения т. Мелодический голос переносится в верхний регистр; в своём воображении мы как бы переводим взгляд с земли на небо, наблюдаем плывущие по небу облака и предаёмся воспоминаниям.
Один из таких отрядов забрел в село Домнино, где жил Иван Сусанин. Он согласился стать проводником, но завёл отряд в непроходимые болота и сам погиб там. Этот подвиг вдохновил поэта-декабриста Рылеева, написавшего думу "Иван Сусанин". В опере четыре действия и эпилог.
Первое действие - происходит в селе Домнино, где живет Иван Сусанин с дочерью Антонидой и приёмным сыном Ваней. Антонида ждёт своего жениха ратника Собинина и мечтает о свадьбе. Прибывает Собинин, можно играть свадьбу и Сусанин благословляет Антониду и Собинина. Первое действие - характеристика русского народа, начинается с хоровой интродукции, в ней два хора - мужской и женский. Мужской хор. Его мелодия близка русским народным песням. Мелодия женского хора близка хороводным песням. Каватина и рондо Антонины раскрывает типичные черты русской девушки - нежность, верность и простоту.